Gozando de uno de los lugares privilegiados como una de las industrias cinematográficas más sanas en un pasado que ahora se antoja remoto y mitificado, el cine mexicano ha devenido en una etapa que parece ganar terreno con propuestas y directores que han defendido sus particulares visiones alejadas de los temas convencionales que buscaban explorar la violencia, la inseguridad o el narcotráfico. Al margen de los cambios, el cine mexicano ha sido visto en el exterior como uno de los más destacados consolidándose gracias a las bases que cimentaron directores como Roberto Gavaldón, Emilio Fernández, Ismael Rodríguez, Alfonso Arau, Arturo Ripstein o Fernando de Fuentes, por señalar algunos ejemplos, así como aquellos directores extranjeros que desarrollaron exitosas carreras en México como fue el caso de Luis Buñuel, Arcady Boytler o Sergei M. Eisenstein quien a pesar de que no pudo completar su deseada ¡Qué viva Mexico! - 83%, dejó para la posteridad fragmentos que capturaron la esencia de la vida y tradiciones nacionales.
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El cine mexicano ha pasado por varias etapas, sin embargo, las películas permanecen es por eso por lo que en seguida elaboramos una lista con aquellas películas que han resistido el paso del tiempo o, mejor dicho, que ha sido el tiempo el que justamente las ha nutrido convirtiéndolas en clásicos de nuestra cinematografía ya sea por sus valores de producción, sus actuaciones, su certera reflexión social o por ser un parteaguas para el avance del cine mismo.
Hasta ahora, ninguna película en el cine mexicano ha dejado una sensación tan inquietante por la forma de mostrar una realidad social. Como un gancho al corazón, Luis Buñuel entregó en los años 50 este drama descarnado que nos llevaba a ese México profundo de pobreza y marginación a través de la historia de El Jaibo (Roberto Cobo), un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro (Alfonso Mejía), al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos. Otorgándole el premio al Mejor Director a Luis Buñuel en el Festival de Cannes y nombrada Memoria del Mundo por la Unesco, Los Olvidados es un clásico fundamental del cine mexicano. En su revisión para The Guardian, Peter Bradshaw, escribió:
Esta triste realidad y el realismo social no son precisamente el fuerte de Buñuel, es la desviación poética de esta realidad lo que hace de Los Olvidados tan fascinante.
Clásico instantáneo de la cinematografía mexicana, la película dirigida por Emilio Fernández es uno de los melodramas revolucionarios más aclamados a nivel mundial al ser una conjunción de varios factores que contaban, por un lado, el clima revolucionario y, por el otro, el choque ideológico que trajo consigo la Revolución Mexicana. De igual forma, el filme también hace una revisión por las costumbres, los comportamientos femeninos y masculinos, así como el yugo religioso y las normas sociales, todo ello enarbolando en torno a la pareja protagónica: María Félix y Pedro Armendáriz, quienes entregan una de las historias más profundas y pasionales de la Época de Oro. En su reseña para Alta Fidelidad Magazine, Miguel Mora apuntó:
Enamorada es una película de fórmula que contiene todos los elementos ya probados de la época, llena de simbolismos patrios, en donde la religión y los buenos sentimientos hacia los pobres se mezclan de una manera ‘institucional’, para impartir ‘justicia’ desde el punto de vista de un caudillo a título de la Revolución.
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Alucarda, La Hija de las Tinieblas - 100%
Clásico maldito y película de culto, la historia de Alucarda es tan ominosa como la de su director, Juan López Moctezuma. Reivindicada con el paso del tiempo como película imprescindible del cine mexicano, Alucarda es la película precursora de todos esos genios malditos que se han atrevido a echar un vistazo a la demencia satánica, un viaje a un infierno dantesco y sangriento inspirado en las piezas Justine, del Marqués de Sade, y Camille, de Le Fanu; la cinta es de las pocas exploraciones mexicanas del nunexplotation, el gore y la estridencia visual y narrativa. Mónica Delgado señaló en su crítica para Una Crítica por Día, lo siguiente:
Alucarda es indispensable para hurgar en el apartado de cine psicotrónico hecho en América Latina, una experiencia que por momentos puede causar alguna carcajada, pero donde se nota que Moctezuma no creía para nada en el humor involuntario.
Estrenada en el Festival de Cannes en el año 2000, la película de Alejandro González Iñárritu marcó todo un hito para la cinematografía nacional al ser la que ponía nuevamente al país en el panorama internacional al no inscribirse en la corriente denominada “Nuevo Cine Mexicano” debido a que proponía un nuevo abordaje formal y narrativo. Primera entrega de la llamada “Trilogía de la Muerte”, entre sus logros está el de ser la quinta película más taquillera de su año en México y la primera producción nacional en ser nominada a los Premios Óscar luego de 25 años de ausencia en la competencia. El crítico Andrew Sarris, afirmó en su reseña para New York Observer lo siguiente:
Una de las películas más honradas y mejor ejecutadas del cine mexicano en estos últimos años.
La primera película mexicana en ser nominada al Óscar a la Mejor Película Extranjera, el filme de Roberto Gavaldón que adapta la novela homónima de B. Traven, es una fábula que ocurre en la celebración del Día de Muertos. La película pasó a ser un clásico de nuestra cinematografía no solo por el hecho de ser la primera representante de México en los Óscar, sino por la buena acogida que tuvo en la prensa internacional quienes hicieron eco de sus valores de producción destacando la manera en la que Gavaldón capturó el folclore mexicano, la eficaz adaptación de la obra a cargo del propio director en colaboración con Emilio Carballido, así como la poderosa y compleja actuación de Ignacio López Tarso. El crítico Emanuel Levy, asentó en su revisión para EmanuelLevy.com lo siguiente:
La cinematografía de Gabriel Figueroa es el mejor elemento de este cuento folklórico mexicano, que fue el primer nominado al Oscar por mejor película de lengua extranjera en el país.
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Salón México pudo ser considerada un melodrama más de los muchos de los que se produjeron durante la Época de Oro del cine mexicano a no ser por quién lo dirigió y el lugar que ocupó en su carrera. Emilio Fernández, siempre reticente a abordar el melodrama de forma frontal, usó sus elementos para entregar un ejercicio de estilo que recoge los parámetros del cine cabaretero con toques de cine negro en una de las pocas películas en su filmografía en la que los paisajes pueblerinos quedan atrás para adentrarse en un ambiente citadino y sus peligros. Aunque considerado un filme menor por el propio Emilio Fernández, los especialistas han acogido el filme con buenos ojos al calificarla como una pieza magistral del director. En la revisión que hace Rebeca Jiménez Calero para Revista Cinefagia, destacó lo siguiente:
¿Momentos cursis? Sí, aunque característicos de un autor fiel a sus convicciones. No obstante, Salón México es una obra disfrutable gracias a su ambientación y actuaciones…
Calabacitas Tiernas (¡Ay Qué Bonitas Piernas!)
Nadie como Tin Tan para comedias memorables y particularmente esta dirigida por Gilberto Martínez Solares se ha convertido en uno de sus filmes más representativos. En esta cinta, Tin Tan se relaciona con un pícaro empresario arruinado que lo hace pasar por sí mismo para evitar a sus acreedores, será entonces cuando Tin Tan monte un espectáculo musical con la brasileña Rosita, la cubana Amalia, la mexicana Nelly y la niña española Gloria. Siempre coqueto y carismático, Tin Tan provoca que las mujeres, incluyendo a una simpática sirvienta de nombre Lupe, se peleen por su amor y por el crédito principal del espectáculo que ha sido financiado por dinero inexistente. Calabacitas Tiernas ocupa el puesto número 33 de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano publicada en la revista Somos en julio de 1994.
Hasta el Viento Tiene Miedo - %
Carlos Enrique Taboada fue, al igual que Juan López Moctezuma, un cineasta que solamente el paso del tiempo reivindicó como autor fundamental de la cinematografía nacional, aunque también es el anverso en cuanto al cine de terror hecho por Moctezuma. Enfocado en el cine gótico de herencia inglesa, Taboada construyó una filmografía realizando escalofriantes filmes de sucesos sobrenaturales. La historia que juega con los códigos de las casas embrujadas y el cine de maduración se desarrolla en un internado para señoritas cuya tranquilidad se ve interrumpida por la aparición del fantasma de Andrea, una alumna que se suicidó cinco años atrás. Hasta el Viento Tiene Miedo es considerada la película más popular en la filmografía del director y, actualmente, es una de las más reconocidas y proyectadas en diversos festivales de cine del mundo entero. En su reseña para el blog CaileGDL, Belén Sánchez, indicó:
Un filme ampliamente recomendable, del que no podrán despegar la atención de la pantalla, un gran trabajo del director, caracterizado por el sentido que le dio al género de terror en México.
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Como agua para chocolate - 90%
El suceso del cine mexicano de finales del siglo pasado, Como Agua para Chocolate es un clásico por varios motivos, el primero de ellos por ser una producción de época que puso énfasis en los detalles y en un ensamble actoral internacional. También, esta historia de un amor irrealizable donde la gastronomía juega un papel relevante es la adaptación de una de las obras literarias más vendidas en los últimos 20 años y fue la novena película extranjera más taquillera en Estados Unidos, además de ocupar el lugar 56 en la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano. En su revisión para Spirituality and Practice, Frederic and Mary Ann Brussat, señalaron:
Celebra la magia y el misterio del amor de una forma inusual e impresionante.
Entregando una relectura al mito del vampiro en un contexto mexicano, Guillermo del Toro entregó una de las pocas películas mexicanas pertenecientes al género fantástico. Aclamada por la crítica internacional, Cronos fue una de las primeras piezas que ya advertían el cambio de timón que tomaría el cine mexicano a partir del cambio de milenio, así como la muestra de una nueva generación de cineastas dispuestos a explorar nuevos géneros e historias y, por consiguiente, la declaración de intenciones de Guillermo del Toro al colocar desde este filme todos aquellos elementos que han formado su estilo. El crítico Kenneth Turan, de Los Ángeles Times, destacó en su reseña:
Cronos sorprende con una mirada sofisticada y vivaz a un cuento directo de la cripta.
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